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Indie americans

Une exposition Çà & Là / l’employé du Moi / Cultures maison

Interview de Frank Santoro

Reçue le 12 juillet 2018

Biographie

Où êtes vous né et où vivez-vous aujourd’hui ?
Je suis née à Pittsburgh, en Pennsylvanie, en 1972. J’ai déménagé à San Francisco à 18 ans pour aller dans une école d’art, mais j’ai abandonné pour faire de la bande dessinée. Je suis resté à San Francisco jusqu’à mon arrivée à New York en 1999. Donc, dix ans à SF, puis huit ans à New York, puis je suis retourné à Pittsburgh, où je vis actuellement. Oh, et à un moment dans tout ça, je suis allé au Nouveau-Mexique, à Taos, pour quelques années et j’ai vécu en dehors du circuit.

Quelles sont les maisons d’édition “small press” et plus officielles avec lesquelles vous avez collaboré ? Ou avez vous fait de l’auto-édition, avec un nom de structure ?
PictureBox fut mon éditeur de 2005 à 2013. Mais c’était un éditeur dont les publications étaient distribuées dans tout le pays. Pas réellement "small press". Dans les années 1990, je me suis publié sous mon propre nom ou sous le nom de "Sirk Productions". La librairie de bandes dessinées Copacetic Comics de Bill Boichel a également auto-publié mon travail d’adolescent, mais ils s’appelaient alors "BEM". Aujourd’hui, si je publie moi-même, je le fais simplement sous mon propre nom.

Comment avez-vous appris votre métier d’auteur ?
Dans la librairie de Bill Boichel à Pittsburgh. Il avait un ami, Tom Grindberg, qui vivait au sous-sol et qui travaillait pour Neal Adams et Contuinity Comics. Et il me montrait des choses. Il regardait mon travail et m’aidait. Il allait à New York et revenait avec des choses que je n’avais jamais vues auparavant. Comme des albums européens ou de très vieilles bandes dessinées obscures. Il y avait aussi le gars qui dessinait Spider-Man à l’époque, au milieu des années 80, Ron Frenz. Il vivait à Pittsburgh et il allait à des conventions de bande dessinée et il était gentil et encourageant. Et John Totleben. J’avais probablement quatorze ans. J’ai eu de la chance, Bill a amené les Frères Hernandez et Dan Clowes à Pittsburgh et je les ai rencontrés à 19 ans. C’est comme ça que j’ai appris. Il faut montrer son travail à des professionnels.

Vivez-vous de votre art, sinon comment faites-vous pour tenir le coup ?
Je gagne de l’argent avec mon art. Pas assez pour en vivre, cependant. La plupart du temps, je vends des livres d’occasion, comme de vieilles bandes dessinées de collection, pour gagner ma vie.

Auto-édition

Par qui/comment s’est fait votre premier contact avec la scène de l’auto-édition ?
Bill Boichel et sa librairie de bandes dessinées. Il fabriquait des bandes dessinées abstraites au sous-sol et les imprimait sur la machine xerox qu’il possédait. Et ensuite, il montait dans la boutique et les vendait à côté des livres grand public. Ses bandes dessinées étaient au prix de 25 cents. C’était à la fois sérieux et une blague. Du véritable ART. Il possédait le magasin, fabriquait ses propres bandes dessinées au sous-sol et les vendait lui-même.
Puis, en Californie, par le regretté Dylan Williams. Il travaillait à Comic Relief sur Haight Street à San Francisco et nous sommes devenus amis. En 1992 peut-être ? Il a ensuite fondé Sparkplug Books, une petite maison d’édition influente en Amérique du Nord. Et puis Jeff Levine, qui faisait un fanzine appelé "Destroy All Comics", pour lequel Dylan a également écrit. Et j’ai écrit pour ce fanzine aussi. C’est Jeff qui m’a parlé de John Porcellino. Mais c’était en 1993. Je lisais des mini-comics fait par des gens comme Wayno et Pushead au magasin de Bill à Pittsburgh depuis 1986. Il y avait toute une scène dans les années 80 qui a été éclipsée par les années 90. En outre, on n’appelait pas ça de l’auto-édition à la fin des années 80. Il y avait des trucs comme Teenage Mutant Ninja Turtles. C’était une auto-édition. Faire des zines et des mini-comics, c’était juste créer des zines et des mini-comics. Ces définitions ont légèrement changé au milieu des années 90.

Pourquoi avez vous décidé de vous auto-éditer ?
Parce que Bill le faisait et qu’il me semblait que c’était ça "être un artiste". Le côté immédiat. Et puis, je voulais faire des livres en couleurs et aucun éditeur au début ou au milieu des années 90 ne vous laissait faire de la couleurs partielle ou intégrale. Je me souviens en avoir parlé à Ron Turner de Last Gasp. Je travaillais pour Frank Kozik et il louait un espace dans l’immeuble de Last Gasp à San Francisco et je lui ai montré mes zines en couleurs. Il a dit que c’était génial mais qu’il ne pouvait pas m’aider parce que faire un livre en couleurs serait très coûteux. Il m’a encouragé à continuer tout seul, il disait que les livres que je fabriquais, étaient mieux réalisés que ce qu’ils pouvaient faire à un prix abordable. Il est difficile de se rappeler à quel point l’impression couleurs était coûteuse à l’époque. Ainsi, vous pouviez créer des magazines en couleurs sur certaines machines ou avec certaines imprimantes et créer des livres plus beaux que tout autre éditeur de bandes dessinées. Il est également difficile de se rappeler que tous les travaux alternatifs ou indépendants dans les années 90 étaient en noir et blanc et à moins que vous n’ayez des ventes élevées, vous n’aviez pas droit à la couleur.

Quelle est la meilleure partie dans l’auto-édition ? Fabriquer le récit, fabriquer le livre, la rencontre avec le public, la participation à une communauté ?
Je ne sais pas. Ça fait beaucoup de questions. Je pense qu’il y a un certain glamour autour de l’auto-édition. La plupart d’entre nous veulent avoir de vrais éditeurs et la plupart d’entre nous ont toujours voulu avoir de vrais éditeurs. Donc, bien sûr, faire une histoire et la produire comme on le souhaite et s’en occuper à toutes les phases de production et d’impression est génial, mais je le fais aussi avec mes livres pour mon "vrai" éditeur. Mais la distribution des bandes dessinées et la rencontre avec les lecteurs est aussi une chose importante bien sûr. Et épuisant. Il y a beaucoup trop de festivals maintenant. La culture du festival "small press" a vraiment pris de l’ampleur en Amérique du Nord. Lorsque j’ai commencé l’auto-édition, il n’y avait pas de festivals et c’était surtout de la fabrication et les échanges par la poste. Maintenant, cela ressemble un peu plus à un groupe de soutien des Alcooliques Anonymes mélangé à un marché aux puces géant. Beaucoup de manutention. Surtout ici, en Amérique du Nord, les festivals se sont divisés en salons grand public et en salons alternatifs avec peu de choses entre les deux. Je préfère de loin les festivals de bande dessinée grand public aux festivals indés en ce moment. En fait, je vends plus dans les festivals mainstream parce que je suis souvent l’un des seuls artistes de BD alternatifs, alors je reste. À mon avis, de nos jours il y a plus de créateurs de bandes dessinées "small press" que d’acheteurs ou lecteurs de bandes dessinées "small press".

Quelle est votre meilleure expérience d’auto-édition ?
Ma meilleure expérience d’auto-édition a été lorsque j’ai commencé à laisser des exemplaires de mes bandes dessinées au format tabloïd dans les salles de cinéma, les librairies, les cafés, partout où je pouvais passer à San Francisco. Dans les bus. C’était en 1995. Je voyais des gens les lire dans les bus. Et je pense que parce que c’était au format d’un journal, il y avait moins de honte à lire une bande dessinée ou un mini-comic. À cette époque, les journaux hebdomadaires étaient très populaires. San Francisco avait deux journaux hebdomadaires que tout le monde lisait tout le temps pour voir quels films passaient ou quels groupes jouaient. C’était comme Internet. Donc, je laissais mes bd au format journal partout où se trouvaient ces journaux gratuits et c’était pratiquement partout. Donc, aller à une séance avec un double programme de polars dans la magnifique salle Movie Palace de Castro, s’asseoir au premier rang et voir pratiquement tout le public en train de lire votre bande dessinée en attendant que le film commence, est sûrement la sensation la plus forte que j’ai ressentie à l’époque - et ça reste ma meilleure histoire d’auto-édition.

Est-ce que l’auto-édition vous coûte de l’argent, vous rapporte, ou a un bénéfice nul ?
J’aime dire qu’auto-éditer son propre livre revient à prendre 1.000 dollars et à les jeter depuis un pont.

Êtes-vous un éditeur ou un distributeur pour le travail d’autres personnes ? Si oui, comment est-ce arrivé ?
Non, merci mon Dieu. J’ai renoncé à le faire une fois que je me suis rendu compte que j’avais jeté près de dix mille dollars depuis des ponts en publiant divers projets peu judicieux pour le compte d’autres personnes.

Quel rôle joue les salons et les conventions de micro-édition dans votre pratique de l’auto-édition ?
Je pourrais dire qu’ils sont un lieu de réseautage, de rencontres et de ventes. Cependant, je réponds à cette question à un moment où je suis très fatigué d’avoir fait pratiquement chaque convention de bande dessinée indé en Amérique du Nord au cours des 10 dernières années. J’ai commencé à remarquer que ce n’est bon que pour vendre de vieilles bandes dessinées de collection. Je peux y rencontrer des gens qui s’intéressent à mon travail, mais pour la plupart, les gens sont très heureux de voir que je vends autre chose que mes mini-comics. Je choisis de vendre de vieilles bd mainstream dans les salons indés parce que je suis la seule personne dans la salle à vendre de vieilles bandes dessinées, alors les fans de bd grand public qui n’aiment pas trop la bd indé, viennent à mon stand et dépensent de l’argent. Nous avons essayé de faire plus de sensibilisation au niveau local et d’organiser des ateliers et autres activités dans le cadre de conventions sur les bandes dessinées afin de trouver des personnes partageant les mêmes idées. Mais c’est difficile parce que, comme je l’ai dit, la culture des festivals a pris le dessus et se limite au plus petit dénominateur commun. Heureusement, j’ai des étudiants qui prendront ma place dans des foires surpeuplées pour présenter leur travail. Maintenant, je reste assis au bar jusqu’à ce que ce soit fini et je ramène ensuite les enfants à la maison, comme un grand-père grincheux.

Gardez vous une archive de vos fanzines ? Comment les conservez-vous ?
J’essaie, mais beaucoup de mes amis ont une collection de mon travail plus complète que la mienne. Mais je les mets sous pochette plastique avec un dos en carton, comme c’est la pratique en Amérique du Nord.

Où imprimez-vous vos fanzines ? Est-ce que vous passez par un imprimeur ou chez un copy-shop ?
Les deux. Le top c’est d’utiliser des presses géantes utilisées pour les journaux. C’est vraiment amusant d’être au calage dans ce cas-là. Et les gars qui travaillent chez ces imprimeurs sont généralement très heureux de bosser sur une bande dessinée. Les photocopieurs sont de plus en plus difficiles à utiliser. Kinkos - une célèbre chaine de magasins de copie ouverts 24h sur 24 - a finalement cessé d’être ouvert 24 heures l’an dernier. Ce n’est pas gênant, parce que faire des bandes dessinées dans les magasins est devenu de plus en plus difficile. Ils ne veulent pas que vous chargiez le papier dans la machine pour faire des copies recto-verso ou autre. Il est très difficile d’enseigner l’art de la photocopie à la nouvelle génération, car les machines ne sont tout simplement plus aussi accessibles qu’avant. J’ai même possédé quelques machines classiques mais une fois que les constructeurs ont cessé de fabriquer des pièces ou de l’encre pour la machine, vous êtes dans la mouise.

Est-ce que vous lisez beaucoup de zines et de mini-comics ?
Non, merci mon Dieu. Mais je ne peux pas m’empêcher de les connaître par mon travail, donc si quelque chose de bien arrive, je vais toujours le lire. En tant que personne ayant prêté attention à de nombreuses bandes dessinées depuis 30 ans, je dois dire que la qualité n’a pas augmenté avec la quantité. Il y a plus de merde maintenant, ce n’est pas forcément mieux.

Est-ce que vous pensez que votre pratique de l’auto-édition est lié à votre situation géographique ? à l’organisation du marché de la bande dessinée aux USA ?
Je pense que c’était plus lié autrefois. C’est peut-être encore le cas. Le genre de travail que je voulais faire dans les années 90 , je ne pouvais pas le faire à Pittsburgh. Il y avait une scène beaucoup plus tolérante pour les bandes dessinées "arty" à San Francisco à l’époque bien sûr, grâce à l’underground. Pittsburgh était plus une ville de genre. Donc, à Pittsburgh à l’époque, si vous faisiez de l’auto-édition, vous publiiez vous-même des bandes dessinées du type Teenage Mutant Ninja Turtle. Vous ne faisiez pas "King Cat". C’est toujours comme ça maintenant. Vous en savez peut-être plus à propos d’Internet, mais cela ne signifie pas que, dans des régions comme Pittsburgh, vous avez une grande communauté de lecteurs ou d’éditeurs. C’est toujours une ville de genre. Vous pouvez prendre un stand au petit festival "small press" ici à Pittsburgh avec les 30 autres personnes qui ont créé des mini comics, mais il n’y aura personne pour acheter vos bandes dessinées car les 30 personnes qui achètent des mini-comics à Pittsburgh sont déjà tous là, essayant de vendre leur propre merde. Si vous voulez faire du mini-comic en Amérique du Nord et faire partie de nombreux créateurs de mini-comic, vous devez vous rendre sur les côtes ou à Chicago.

Edition

Quel a été votre premier éditeur ? Connaissaient-ils votre travail grâce à l’auto-édition ?
Bill Boichel de Copacetic Comics, ici à Pittsburgh. Son magasin s’appelait "BEM" à l’époque. Il a publié ma première BD à l’âge de 16 ans. Plus tard, Dan Nadel de PictureBox, est devenu mon "vrai" éditeur et Dan a envoyé les exemplaires de son premier livre par la poste à l’âge de 16 ans, quand moi j’en avais 23. Donc on peut dire que mon premier éditeur me connait grâce à l’auto-édition, oui.

Avez-vous continué à autopublier depuis ? Pourquoi ?
Bien sûr. C’est juste naturel. C’est comme être un peintre ou un poète. C’est comme demander "pourquoi faire un livret de vos poèmes ?"

Allez-vous continuer à auto-éditer dans les prochaines années ?
Bien sûr.

Pour vos livres qui sont passés de l’auto-édition à l’édition, quelles questions de remontage ou de format se sont posés ? Comment voyez-vous la relation entre les deux ?
Je ne fais pas ça. Je conçois chaque objet comme un livre en soi. Par exemple, je ne fais pas de mini-comic pour qu’il serve de test pour un livre relié. Je fais soit un mini comic, soit une bande dessinée mainstream, soit un roman graphique. Ce sont des choses distinctes. Les mini-comics ne sont pas inférieures aux livres proprement dits, tout comme le recueil miméographié d’un poète n’est pas inférieur à une édition posthume à couverture rigide et au dos toilé. Si je réimprime l’édition auto-publiée en tant que nouveau livre, j’essaie de présenter le nouveau livre comme un complément sur l’objet original, presque comme on présente une antiquité dans un catalogue.

L’exposition

Vous pouvez nous parler des travaux que l’on peut voir dans l’exposition ?
Eh bien, au lieu de parler un peu de beaucoup de choses, j’aimerais parler beaucoup d’un petit livre. J’ai fait un zine appelé "SIRK". Et j’en étais au quatrième numéro. Il était composé de petits dessins de paysages que j’avais fait dans mon cahier et de petites observations faites ici et là. Je l’ai fait très rapidement et simplement sur la machine xerox et je pense maintenant que c’était vraiment la puissance de cette forme d’expression. C’était une sorte de proto blog . Quand je montre mes vieux zines avec du texte et de l’image mélangés, mes amis aujourd’hui disent souvent « ça ressemble à ton blog ». Et quand je pense à ce moment au milieu des années 90 où j’étais vraiment enthousiasmé par l’auto-édition de mini-comics, je pense avec émotion à celui-ci en particulier. C’était comme le genre de chose qu’aucun éditeur ne ferait jamais. Un livre de croquis de paysage, de petites notes et de dessins, mais il compte encore beaucoup pour moi et c’est devenu l’un de mes trucs préférés que j’ai jamais fait. J’aimerais avoir fait un million de posts de blog comme celui-ci. Pour nous, dans la Bay Area, le héros était Aaron Cometbus. Il avait un zine qui était comme un CNN punk de la baie. Nous correspondions par courrier à travers la baie et nous ne nous étions jamais rencontrés jusqu’à ce que nous déménagions tous les deux à New York. Il a vraiment aimé ce numéro de "Sirk". C’est là que j’ai trouvé ma "voix de paysages". J’ai reçu beaucoup de courrier à ce sujet. Je veux dire, peut-être comme trois ou quatre cartes postales, c’est rien comparé aux likes ou commentaires d’aujourd’hui sur un post Instagram. Mais c’était comme ça que tu interagissais avec les gens. Par le courrier. C’est la culture du fanzine. Il y avait beaucoup de gens que je connaissais comme ça à cette époque. Les zines et les mini-comics étaient vraiment comme Internet sous forme embryonnaire à l’époque - et je pensais que le genre de bandes dessinées que je faisais avec ce numéro de "Sirk" en particulier, était exactement le genre de choses que je devais faire alors pour participer à cette scène du zine. Je suis vraiment fier de celui-ci. Bien sûr, je suis fier des autres choses, mais je pense que ce qui définit un mini-comic est un pont très étroit, et je pense que c’est un bon mini-comic.

Biography

Where were you born, and where do you currently live ? Did you move to other significant places in between ?

I was born in Pittsburgh, Pennsylvania in 1972. I moved to San Francisco at 18 to go to art school but dropped out to pursue comics. I stayed in San Francisco until I went to New York City in 1999. So ten years in SF and then 8 years in New York and then I moved back to Pittsburgh, where I currently live. Oh, and somewhere in there I went to New Mexico, Taos, for a couple years and lived “off grid”.

What are the "small press" and more official publishing houses with which you have collaborated / Or did you self-publish under your own name or using a label ?
PictureBox was my publisher from 2005 to 2013. But they were a widely distributed publisher. Hardly a “small press” operation. During the 1990’s I self published under my own name or as “Sirk Productions”. Bill Boichel’s Copacetic Comics comic book store also “self-published” my work as a teenager, but they were called “BEM” back then. Today, if I self publish, I simply do it under my own name.

How did you learn to be a cartoonist ?
From Bill Boichel’s comic book store in Pittsburgh. He had a friend, Tom Grindberg, who lived in the basement who worked for Neal Adams and Contuinity Comics. And he would show me things. He’d look at my work and help me. He’d go to New York and come back with stuff I’d never seen before. Like European albums. Or really old, obscure comics. Also the guy that drew Spider-Man at the time, in the mid 80s, Ron Frenz, he lived in Pittsburgh and he would be at mainstream comic book conventions and he would be nice and supportive. Also, John Totleben. I was probably 14. Then, I was lucky, Bill brought the Hernandez Brothers and Dan Clowes to events in Pittsburgh and I met them as a 19 year old. That’s how I learned. Showing work to “professionals”.

Do you make a living from your art, if not, how do you manage to earn a living ?
I make some money from my art. Not enough to get by, though. Mostly I sell used books, like old collectible comics, to make a living.

Self-publishing

Who / how was your first contact in the self-publishing scene ?
Bill Boichel and his comic book store. He would make abstract comics in the basement and print them up on the xerox machine he owned. And then he would march upstairs and sell it on the shelf next to the mainstream books. His comics would be priced at 25 cents. It was a jokey but serious act. Real ART. He owned the store, made his own comics in the basement and then sold them himself.
Then, in California, the late, great Dylan Williams. He was working at Comic Relief on Haight Street in San Francisco and we became friends. 1992 ? He went on to start Sparkplug Books, which was an influential small press in North America. And then Jeff Levine, who was doing a fanzine called “Destroy All Comics”, which Dylan also wrote for. And then I wrote for it also. Jeff was the one who told me about John Porcellino. But that was in 1993. I had been reading mini-comics, by people like Wayno and Pushead at Bill’s shop in Pittsburgh since 1986. There was a whole scene in the 80’s that gets overshadowed by the 90’s stuff. Also, we didn’t call it self publishing in the late 80s. That meant like Teenage Mutant Ninja Turtles. That was self publishing. Making zines and mini-comics was just making zines and mini-comics. Those definitions shifted a bit in the mid 90s.

Why did you decide to self-publish ?
Because Bill was doing it and it felt more like being an artist. Like the directness of it. Also, I wanted to make color books and no publisher in the early or mid 90s was going to let you do partial or full color. I remember talking to Ron Turner of Last Gasp about this. I was working for Frank Kozik and he was renting a space in the Last Gasp building in San Francisco and I showed him my color zines. He said these are great but I can’t help you because if we did a color book it would be cost prohibitive. He encouraged me to just keep going on my own, that the books I was making looked better than what they could do affordably. It’s hard to remember how expensive full-color printing was back then. So you could make color zines on certain machines or with certain printers and make better looking books than anything by a professional comics publisher. It’s also hard to remember that all alternative or independent work in the 90s were in black-and-white and unless you had high sales---you were never going to have color.

What is for you the best part in self-publishing ? Making the story, making the book, meeting with the audience, participating in a community ?
I don’t know. I think this is a loaded set of questions. I think there’s some perceived glamour in self publishing. Most of us want to have real publishers and most of us always wanted real publishers. So of course making the story and making it the way one wants it to be and seeing it through the production and printing stage is great but I do that with my books for my “real” publisher. Even distributing the self published comic and meeting people is great. Sure. And exhausting. There are way too many festivals now. The small press festival culture has really taken over here in North America. When I started self publishing there were no festivals and so it was more about the work and trading things through the mail. Now it’s sort of more like a Alcoholics Anonymous support group mixed with a giant flea market. Lots of hand holding. Especially here in North America it has bifurcated into mainstream fairs and alternative fairs with not much in between. I much prefer mainstream comic book festivals to small press festivals these days. In fact I sell more at mainstream festivals because I am often one of the only alternative comics artists there often so I stick out. In my estimation there are more small press comics makers then there are small press comics buyers or readers these days.

What is your best self-publishing experience ?
My best self publishing experience was when I began leaving copies of my tabloid newspaper comic around at movie theaters, bookstores, cafes, anywhere I could think of in San Francisco. On buses. This was 1995. I would see people reading it on buses. And I think because it was a newspaper there is less of a stigma of reading a comic book or a mini comic book. At the time weekly tabloid newspapers were very popular. San Francisco had two different weekly tabloid newspapers that everybody read all the time every day just to see what movies were playing or what bands were playing. It was like the Internet. So I would just leave my newspaper comic everywhere these free newspapers were around and that was practically everywhere. So, to go to a Noir double feature at the beautiful Castro movie palace and sit in the front row and turn around and see practically the whole audience reading your comic book newspaper while waiting for the movie to start was maybe the best thrill of my young life at the time—and still the best self publishing story of mine.

Does self-publishing make you lose money, do you make a profit, or do you simply break even ?
I like to say making your own book is akin to taking 1000 dollars and throwing it off a bridge.

Are you a publisher or a distributor for other people’s work ? If so, how did you come to it ?
No. Thank God. I gave up doing that once I had realized I’d thrown about 10 000 dollars off various bridges publishing various misguided projects for other people.

What role do comics conventions play in your self-publishing practice ?
I could say that they are a place to network and meet new people and make sales. However I am answering this question at a time when I am very burned out from doing practically every small press comic book convention in North America in the last 10 years. I’ve started to notice that it’s only good for selling old comic books. I might meet people who are interested in my work but for the most part people are just happy that I am there selling something other than mini-comics. I choose to sell old mainstream comics at small press fairs because I am the only person often in the room selling old comics—so for fans of mainstream comics who don’t really like small press festivals they come to my table and spend money. We have tried to do more outreach locally and do workshops and things at comic book conventions in order to find like-minded individuals. But it’s hard because like I said festival culture has taken over and much of it is just pandering to the lowest common denominator. Luckily, I have students who will take my hard fought place at overcrowded fairs to showcase their work. Now, I just sit in the bar until it’s over and drive the kids home like a grumpy grandfather.

Do you keep an archive of your fanzines ? How do you preserve them ?
I try, however many of my friends have a better archive of my work than I do. I “bag and board” them as is the practice in North America.

Where do you print your fanzines ? Do you go through a printer or at a copy shop ?
Both. The best is using giant newsprint web presses. Those are really fun jobs to do press checks for. And the guys working the press there are usually very happy to do a comic book job. Copy machines are harder and harder to use in the wild. Kinkos—a famous 24 hour national chain copy shop—finally stopped being 24 hours last year. That’s OK because making comics at shops became harder and harder. They don’t want you feeding the paper back in the machine to do double-sided copies or anything. It’s very hard to teach the art of Xerox to the new generation because the machines just aren’t accessible like they used to be. I have even owned a few classic machines but once they stop making parts or ink for the machine you are up the creek without a paddle.

Do you read a lot of zines and mini-comics ?
No. Thank God. I can’t help knowing about them in my practice though so if something good comes along I’m sure to check it out. As someone who’s paid attention to many comics for 30 years, I must say the quality hasn’t gone up with the quantity. There’s just more crap now— it’s not necessarily better.

Do you think that your self-publishing practice is related to your location ? How does it fit (or not) in the organization of the comics market in the USA ?
I think it used to be more related. It still is maybe. The kind of work that I wanted to do in the 90s I couldn’t do in Pittsburgh. There was much more of a tolerant scene for “arty” comics in San Francisco back then of course because of the Undergrounds. Pittsburgh was more of a genre town. So, in Pittsburgh back then, if you did self publishing you were self publishing Teenage Mutant Ninja Turtle type comic books. You weren’t doing King Cat. It’s still sort of this way now. You might know more about things because of the Internet but that doesn’t mean that in the regional places like Pittsburgh you have a large community of readers or makers. It’s still a genre town. You can set up at the small press festival here in Pittsburgh with the 30 other people that made mini comics but there won’t be anybody to buy your comics because the 30 people who buy mini-comics in Pittsburgh are set up there at the fair, trying to sell their own crap. If you want to do you arty mini-comics in North America and be around a lot of arty mini-comics makers, you still have to go to the coasts or Chicago.

Edition

Who was your first publisher ? Did they know your work through self-publishing ?
Bill Boichel of Copacetic Comics here in Pittsburgh. His store, it was called “BEM” at the time. He published my first comic when I was 16. Later, Dan Nadel, of PictureBox became my “real” publisher, and Dan mail orederd my first book from me when he was 16 and I was 23. So my first publisher knew me through self publishing, yes.

Have you continued to self-publish since ? Why ?
Of course. It’s just natural. It’s like being a painter or a poet. It’s like asking “why make a chapbook of your poems ?”

Will you continue to self-publish in the next few years ?
Of course.

How have you handled the transition of your works from mini-comics to books, in terms of format and reassembling ? How do you see the relationship between both objects ?
I do not do this. I make each object as the thing. I do not for example make a mini-comic as a test for a proper hardbound book. I either make a mini-comic or a regular mainstream comic book or a graphic novel. All as separate things. Mini-comics are not inferior to proper books just like a poet’s own antique mimeographed chapbook is not inferior to a posthumous proper hardback and clothbound modern library edition. If I do reprint the self published edition as a new book, I try to present the new book as a documentation of the original object, almost like presenting an antique in a catalog.

The exhibition

Can you tell us something about the work that can be seen in the exhibition ?
Well, instead of telling a little about a lot of stuff I would like to tell a lot about one little book. I did a zine called SIRK. And this was the forth issue. It was made up of just little landscape drawings that I did in my notebook and little observations I made here and there. I made it very quickly and simply on the xerox machine and I think now that this was really the power of the form. It was sort of proto blog. When I show my old zines—with text and image mixed, my friends today will often say “it’s like your blog”. And when I think of that moment in the mid 90s when I was really excited about self-publishing mini comics I think fondly of this particular issue. It felt like the type of thing no publisher would ever make, a book of landscape sketches and little notes and drawings yet it’s really stayed with me and become one of my favorite things that I’ve ever made and I wish I would’ve made 1 million more blog posts like this. Especially for us in the Bay Area our hero was Aaron Cometbus. He had a zine that was like the punk CNN of the bay area. We were penpals across the bay and had never met each other until we both moved to New York. He really liked this issue. This is where I found my “landscape voice”. I got a lot of mail about this issue. I mean maybe like three or four postcards — nothing compared to the likes or comments of today on one Instagram post. But this was how you would interact with people. Through the mail. Fanzine culture. There were lots of people that I knew like this at that time. Zines and mini-comics really were like the Internet in embryonic form back then—and I thought that the kind of comics that I was making with this particular issue was exactly the type of thing I should’ve been doing then to participate in that zine scene. I’m really proud of this one. I’m proud of the other stuff too of course but I think what defines a mini-comic is a very narrow bridge, and I think this is a good mini-comic.